EL ESPECTADOR INCIERTO

MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO

2009-09-15T14:30:00.000-07:00

En esta película de Isabel Coixet tuve la constante sensación de que lo que me estaba contando era más fruto de lo puramente caprichoso que del intento de construir una trama en función de lo que pidan los personajes. Entiendo que estamos en un film en el que el apartado narrativo se diluye en favor de las sensaciones y en buscar unos determinados estados ánímicos, pero en el fondo la peli de Coixet es mucho más tradicional de lo que se ambiciona o desearía o trata de vendernos, ya que en ningún momento se aparta de lo narrativo. Por tanto esta historia desgarrada de personajes rotos y heridos sencillamente no me funciona porque me resulta bastante difícil creermela. Es artificialmente trascendente y densa, pero vacia en su fondo. En los planos visuales y sonoros también es demasiado sofisticada para algo tan ligero y banal como lo que, en definitiva, hay. Tampoco Coixet se lo deja muy fácil para el espectador que vió en su momento "Lost in traslation" porque uno no deja de tener la sensación de estar viendo una especie de clon inoportuno y pesado de la película de Sofia Coppola. Está última también trataba de hablarnos de cosas importantes, pero su tono más ligero y "despreocupado" funcionaba mucho mejor que en este "Mapa de los sonidos de Tokyo".

Por supuesto la película de Coixet tiene momentos interesantes como la inquietante secuencia de apertura, muy bien desarrollada, pero que después desafortunadamente queda como una isla, aislada del resto del metraje porque lo sucedido con ese personaje no tienen evolución, más que unos leves apuntes en el resto del relato... y en realidad ahí había otra película, quizá más interesante que la de los protagonistas. Y es que en general casí todo resulta difícil de creer, la relación de ellos dos, el que ella sea una asesina superprofesional que se deja ver por clientes desconocidos que la contratan para asesinar a hombres de los que se enamora y que por las noches trabaja en un mercado de pescado... Y todo este desproposito se mantiene hasta el final, en un absurdo remate en el que no resulta complicado esbozar una involuntaria sonrisa de escepticismo ante lo que estaba viendo.

Una pena este paso atrás, especialmente tras los logros conseguidos en su meritoria "Elegy".

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES (Män som hatar kvinnor) 2009

2009-08-31T10:35:00.000-07:00

La cinematografía europea, la crítica y los espectadores deberían estar contentos por la existencia de un producto como "Los hombres que no amaban a las mujeres". Como espectador siempre me pregunto como es posible que todo tipo de subproductos americanos de baja estofa sean estrenados en cientos de salas españolas. Productos algunos de ellos tremendamente localistas que dificilmente encuentren en el espectador interés alguno. En Europa nos preguntamos como es posible que los americanos consigan una cuota de pantalla tan alta con multiud de productos tan malos. Bueno, pues aquí tenemos el ejemplo de que podemos competir en igualdad de condiciones cuando nos ponemos de lado del espectador y somos capaces de ofrecerle un buen entretenimiento. La operación emprendida por los suecos ha resultado magnífica. Tienen un best-seller en tres libros. Rapidamente se ponen en marcha y hacen una película con buena factura y una cuidada promoción y emprenden el rodaje de las otras dos partes seguidamente. Sencillamente, es difícil que la operación no funcione.

Yo no he leido la novela. Parece ser que es muy larga. He visto la pelicula y me parece muy atractiva. Un thriller oscuro, con ciertas gotas de perversidad y ante todo muy entretenido. Para la película, sus autores han tenido que pulir el texto de Stieg Larsson y hacer una importante síntesis, dejando, es de imaginar, mucho material fuera. Esta labor ha dado como resultado una cinta que potencia los elementos de suspense y de la trama detectivesca en detrimento, supongo, de una construcción de personajes más compleja. Estos son bastante esquemáticos y se nos da en unas pocas pinceladas la información sobre su personalidad. Así el personaje de Lisbeth Sallander es excesivamente compleja, atormentada, lista, super hacker, brillante, bisexual como para resultar verosimil (cosa que si hace la excelente interpretación de Noomi Rapace, quien realiza una composición genial y logra dar vida a Lisbeth y atrapando de paso al espectador. No ocurre con el del editor de Milleniun: Mikael Blomkvist, quien es retratado como un tipo idealista e inteligente y poco más, al que también la notable composición del actor logra que nos lo creamos .

El guión, no se el libro, juega con muchos elementos ya contempalados en otros títulos. Una de las referencias que me sugirió es la peli de Mathieu Kassovitz "Los rios de color purpura", que es otro perfecto ejemplo de puro cine comercial Europeo de calidad. Ya que sus dos protagonistas están parte del relato investigando la misma trama de forma independiente y también se desarrolla en un espacio nevado, que otorga densidad y cierta sensación de aislamiento. Despues un poco del ambiente fotográfico y espiritual de "El silencio de los corderos", "Imsomnio" y "Seven" y otro poco de "Blow Up" de Antonioni. El cocktel funciona bien, manteniendo el interés durante los 145 minutos de proyección. En general la narración es muy correcta y clásica (están perfectamente definidos los tres actos) y tiene secuencias magníficas como aquellas en las que aparece el depravado abogado Nils Bjurman quien está a cargo de Lisbeth y de sus bienes o la muy bruta secuencia final en la que se desvela quien es el asesino. Me gusta también y mucho las secuencias en las que la imagen fotográfica cobra vida para ayudar a desvelar un misterio del pasado. Estan utilizadas con gran habilidad para sugerirnos fantasmas y presencias malvadas que aún parecen morar por los alrededores. Y el film tiene una nota bastante amarga sobre la maldad y la corrupción a todos los niveles (morales, económicos, políticos) que impregnan nuestra sociedad. Nos movemos en un terreno blanco como la nieve, aparentemente puro, como el escaparate que puede ser una familia de alto nivel, educados, inteligentes, pero en la que subyace una podredumbre que lo mancilla todo. Este discurso no se abandona en el film ya que la razón de que el editor sea encarcelado es haberse metido contra un hombre poderoso.

Una película muy correcta en su realización, buena planificación y fotografía, una banda sonora no muy brillante pero que acompaña a las imágenes sin hacerse notar demasiado y un buen guión que inquieta y mantiene el suspense, y que sin hacer demasiadas trampas logra mantener la lógica del relato, llevándolo en momentos a los cauces del terror y lo fantástico, pero sin alejarse en ningún momento de una realidad mucho más insana e ingrata.

ASALTO AL TREN PELHAM 1,2,3 (The taking of Pelham 1,2,3) 2009

2009-08-18T09:10:00.000-07:00

La espectacular película de Tony Scott, basada en la novela de John Godey es la tercera adaptación a la pantalla que se lleva a cabo. Una de ellas para televisión. La primera, estrenada en 1974 es la mejor.

La película que nos ocupa ahora es un producto entretenido y muy apabullante en lo visual y en el plano sonoro. Más comedida en los alardes estéticos que otras cintas del director como por ejemplo "El fuego de la venganza", su director y montador no se privan de ofrecernos todo tipo de recursos como ralentizaciones, efectos estroboscópicos, planos de muy corta duración, barridos, cortes bruscos... la lista es larga.

"Asalto al tren Pelham 1,2,3" es un producto comercial que funciona bastante bien. No es nada aburrida, resultando interesante el desarrollo de la trama planteado basicamente alrededor de la tensión que se crea entre sus dos antagonistas. Practican el juego del gato y el ratón, intentando cada uno llevarse al otro a su terreno. El film comienza con unos excelentes títulos de crédito que nos presenta a la banda de secuestradores por un lado y al controlador del metro Walter Garber. Estos créditos realizados con estética de videoclip nos introducen eplendidamente en el relato. La película consigue algunos momentos notables como es la secuencia en la que el controlador descubre que está ocurriendo algo extraño con el tren Pelham 1,2,3. Las primeras conversaciones entre el secuestrador Ryder y un desconcertado Garber o la esplendida escena en la que Ryder obliga a admitir a Garber su delito. La tensión es creciente y el eficaz guión de David Koepp consigue sus propositos hasta el momento de la entrega del dinero. A partir de esta secuencia y en todo lo que va a ser el tramo final el film da un bajón espectacular, resultando su resolución absolutamente convencional y mediocre. Garber que nos ha sido mostrado como un tipo normal, al que está situación le viene grande aunque demuestre una gran habilidad a la hora de tratar a los secuestradores, se convierte en el tramo final en un superheroe de comic persiguiendo al astuto secuestrador por las calles de Nueva York armado con una pistola. Una pena para una peli eficaz y bien construida.

Merece la pena reseñar la labor de todos los actores especialmente de Denzel Washington que demuestra una gran capacidad de registros y expresividad a la hora de mostrar sorpresa, incredulidad y que está viviendo una situación inverosimil y complicada. Travolta está mucho peor, aunque se toma su papel con mucho más humor y desverguenza. Por supuesto es un malo más decente que el que hiciera en "The punisher" por ejemplo.

ENEMIGOS PÚBLICOS (PUBLIC ENEMIES) 2009

2009-08-17T03:39:00.000-07:00

En mi opinión Michael Mann es uno de los grandes virtuosos de la narrativa cinematográfica dentro de lo que denominamos cine comercial. Es un visionario, a la manera de Paul Thomas Anderson, Terrence Malick o Brian De Palma. Dotado de una talento infinito a la hora de utilizar el lenguaje audiovisual. En sus películas una angulación o posición de cámara, un silencio, un movimiento no es nada trivial. En ningún momento se tiene la impresión, como si ocurre en las películas de Michael Bay, que uno está viendo una sucesión de planos innecesarios que satura al espectador. En sus películas parece que todo está meditado, como si fuera un arquitecto que tuviera que usar las matemáticas y la geometría para hacer que su obra funcione. Así que su última película "Enemigos públicos" no escapa de está forma de entender el hecho cinematográfico. Es un film nada modesto, grande, intenso, que pretende transcender el hecho de estar contándonos la vida de una especie de psicópata para convertirlo en un ejemplo de fuerza descomunal e imposible de controlar que nunca podría ser aceptada por la sociedad, ni por las fuerzas del orden y ni siquiera por el crimen organizado. Dillinger es visto en la cinta de Mann como un rebelde por encima de morales, ética y leyes (aunque en ningún momento el film deja de evidenciar que también era un muy peligroso asesino, capaz de hacer muchas cosas nada agradables, para conseguir sus objetivos o simplemente salvar el pellejo).

Mann al igual que Dassin en "Rififi" se siente especialmente fascinado por la figura del profesional que pone toda la carne en el asador para hacer lo mejor posible su trabajo. En este sentido se nos muestra unos atracos ejemplarmente organizados y ejecutados por la banda de Dillinger, jactándose este de llevarlos a cabo en menos de dos minutos. Mann y sus guionistas prolongan esta visión al equipo contrario, comandado por el agente Purvis en la incipiente organización federal que daría lugar al FBI. Purvis es un hombre del que no vamos a conocer ni un solo dato sobre su vida personal. Dedicado en cuerpo y alma al objetivo de conseguir la detención de Dillinger, es también un hombre responsable y determinado en sus acciones. Es curioso y Mann lo pone increiblemente de relieve como ya hiciera en la extraordinaria "Heat", que unos hombres de gran habilidad e inteligencia pusieran tanto esfuerzo y talento en elaborar y ejecutar un robo y que no dedicarán ese mismo esfuerzo para conseguir otro tipo de vida. De hecho en la película se logra durante su metraje una singular y densa sensación de precariedad existencial. Nadie parace haber planificado un futuro. Nadie tiene un plan b. Atracan, beben, salen con mujeres... Esa es su vida. Y llegará a su fin de una manera violenta y abrupta.

El film es muy espectacular y tiene mucha acción. Las secuencias de robos y tiroteos son magníficas. La secuencia de apertura con la fuga de los miembros de la banda de Dillinger de la prisión es sencillamente tremenda, la planificación y montaje son de poner los pelos de punta. Personalmente me parece fantástico el uso que está haciendo del vídeo digital, llevando a este formato a niveles de experimentación francamente muy atractivos. A este respecto la fotografía de Dante Spinotti es buenísima consiguiendo unas imágenes frias, grisaceas y de tonos densos que ayudan plenamente a conseguir esa atmósfera pesada que se va cerniendo sobre los personajes.

Lo recomiendo plenamente. Es una pena que no haya sido el éxito que se esperaba de ella porque podría haber sido interesante haber asistido a una pequeña recuperación de ese esplendoroso cine de gansters que atraían la atención del público en los años 30 y 40.

UP

2009-08-16T09:52:00.000-07:00

Leo cosas muy extrañas sobre esta película. Cosas como que Pixar ha realizado concesiones, siendo esta película más ¿infantil? que otras suyas o que el mensaje es más ¿conservador?. No se, no lo veo así. Las películas de Pixar son SIEMPRE infantiles. Unas van de juguetes que tienen vida, otras sobre los monstruos que aterrorizan a los niños en sus pesadillas, otras de unas hormigas, unos coches que participan en la copa Pistón... Vamos... temas muy adultos. Y luego lo de conservador tampoco lo veo muy claro, si atendemos a que las anteriores películas nos hablan de los lazos familiares, de pertenecer a una sociedad o de templar nuestros instintos de superioridad sobre los demás. Creo que en general todas las películas de Pixar tienen su mensaje formativo y su moraleja. Así que a mi modo de ver nos encontramos ante un nuevo producto de Pixar que continua en su linea de construir un relato sólido, con aventuras, enseñanzas y capaz de atraer poderosamente la atención de los niños y de no aburrir a los adultos.

Puede que "Up" no sea tan buena como "Wall-e", pero por muy poco. El guión es magnífico y valiente. Al fin y al cabo no es habitual en una película infantil poner a un hombre mayor como protagonista del relato, un hombre tímido y normal que ha visto pasar su vida sumido en la rutina del trabajo y las vivencias con su mujer. Un hombre con sensación de fracaso al no haber podido hacer realidad los sueños de aventura de su mujer que siempre quiso visitar sudamérica. Algo que se fue aplazando y que no se pudo llevar a cabo por el fallecimiento de ella. Este hombre se ve obligado a asumir una aventura, a sus 78 años, porque si no se ve condenado a perder su casa y sus recuerdos para ser internado en un asilo. Decir que los primeros minutos del film son magistrales es quedarse en poco. Los de Pixar continuan en su empeño de manejar la imagen y el sonido para narrar, dejando a la palabra en un segundo plano, que solo se utiliza cuando es estrictamente necesario. Así de esta forma nos cuentan en un prólogo de gran belleza la historia de amor emprendida por Carl y Ellie, desde niños, hasta la desaparición de ella. Finalmente la acción arranca en la soledad de Carl en su casa.

La idea de los globos como fuente de energía para convertir a la casa en un improvisado dirigible es fabulosa y da pie a una de las secuencias más bellas de la historia del cine: el despegue de la casa y su paseo por la ciudad. Carl se ve obligado a escapar con su casa porque un constructor quiere el terreno de su casa para construir grandes e impersonales edificios. Aquí resuenan los dibujos y los textos del Will Eisner de "La avenida Dropsie" y el genial corto de Terry Gilliam de apertura de "El Sentido de la vida".

El resto del film es el intento de Carl de conseguir llevar la casa al lugar que soñaron con visitar, una hermosa cascada en Venezuela. La valentia de Pixar vuelve a aparecer en forma de un guión con muy pocos personajes y en no convertir la acción en una serie de secuencias rápidas y apelotonadas. Solo hay tres personajes humanos: Carl, un niño y un viejo aventurero enloquecido. Algunos animales y la acción se resume a lo comentado antes con algunos obstáculos que hacen más ameno el viaje para el espectador.

Entre otras cosas me quedo con ese mensaje positivo de que no debemos perder las ilusiones, de que la edad no es obstáculo para entenderse entre diferentes generaciones, de que la sociedad en su imparable progreso devora todo aquello que considera obsoleto y que entorpece su funcionamiento en una carrera sin demasiado sentido. Y también con ese excelente retrato del aventurero demente Charles Muntz. Un hombre educado y de acción pero que ha perdido el rumbo de la lucidez convirtiéndose en un mosntruo capaz de cualquier crueldad con tal de conseguir un propósito que ya no importa a nadie.

Lo dicho, una nueva joya del universo Pixar, que dosifica con maestria la aventura, el humor y el drama con una delicadeza exquisita.

LA CUESTIÓN HUMANA (LA QUESTION HUMAINE)

2009-07-27T13:19:00.000-07:00

Un título muy acertado para esta película de Nicolas Klots. Aunque, a mi modo de ver, podría haberse titulado simplemente humana. El por qué es sencillo, trata de un modo muy medido y claro está, estudiado, los dos reversos que construyen al ser humano: el frío, el duro....el peor, y por otro lado el lado sensible y delicado.

La acción se desarrolla en París, en una multinacional petrolera Alemana. Nuestro protagonista, interpretado por Mathieu Amalric, es el psicólogo del departamento de recursos humanos de esta gran empresa cuya función es, entre otras, incrementar la productividad de los empleados de la empresa aplicando terapias ciertamente agresivas. Esta vez el encargo será distinto, tendrá que llevar a cabo una investigación sobre un alto cargo de la empresa del que se sospecha, tiene graves problemas psicológicos.

A partir de aquí se desarrollará el tema de la deshumanización en tres vertientes, del ayer, del hoy, y del mañana. Aunque en el último caso no será más que el fruto de las elucubraciones del espectador cuando salga de la sala de cine (al menos en mi caso).
En primer lugar, tratará el tema de la deshumanización en las grandes empresas y, creando un cierto paralelismo, aparecerá entrelazado con el resto de la peli el tema del holocausto judio. Pero tranquilos todos!!!!, no aparecerán en este caso pilas de cadáveres, ni cámaras de gas, ni niños famélicos, ni ninguna de las imágenes con las que nos han bombardeado cuando alguien a querido tratar el tema. Esta peli no pretende castigarnos, no creo que ese sea el fin. Simplemente nos recuerda la crueldad de lo sucedido.

Pero para mi, el tema más innovador, el que más sorprende, es el tema de la deshumanización del lenguaje. Algo tan simple y cotidiano para todos como el lenguaje hablado (Eso a todos nos llega, a todos nos toca).Queda al descubierto cómo el ser humano manipula éste, lo utiliza, usando los diferentes recursos a su alcance para apaciguar su conciencia. Nos hace ver cómo la mente humana quiere olvidar las palabras que designan cosas o hechos concretos(una flor es una flor y no se puede llamar de otra forma. Tambien la muerte o el dolor tienen su nombre) y asimila en su mente, su conciencia y su alma, otros conceptos similares, inventados por el para frivolizar, normalizar hechos que en verdad son horribles, y con los que, de otro modo, no podría convivir diariamente.

La pelicula consiguió tocarme, y como ya he dicho, tratando de un tema tan duro como trata, no aturde al espectador.
Me resultó agradable de ver y gratificante, muy gratificante.
Para ver 2 oincluso más veces en el cine. Merece la pena, OS LA RECOMIENDO A TOD@S!!!!

thuatina

SOLO QUIERO CAMINAR (2008)

2009-01-05T03:08:00.000-08:00

No es muy frecuente cultivar el thriller en España. Y es que como reconoce el propio director, el espectador español no consigue creerse del todo estas historias de gansters y violencia ocurriendo en territorio español. Es verdad que es difícil porque el espectador asocia este género a Estados Unidos. Los detectives, las mujeres fatales que se mueven en la noche por New York o Los Angeles...Pero no es imposible. Algunos realizadores han obtenido muy buenos resultados formulando historias de crímenes y pasiones oscuras como Nieves Conde con "Los Peces Rojos", Forque con "091 Policía Al Habla", Urbizu con "La Caja 571" o Monzón con "La Caja Kovac". El propio Diaz Yanes ya había hecho su aportación en ese híbrido entre Tarantino y el drama costumbrista de título "Nadie Hablará de Nosotras Cuando Hayamos Muerto" que no terminaba de funcionar bien. Aunque como siempre digo, el intento de sacar adelante algo diferente es siempre de lo más loable y se degusta con atención e interés aunque el resultado no sea satisfactorio. El público no lo vió así y apoyó la película con una buena recaudación y numerosos premios.

Diaz Yanes realiza ahora, pasados unos años y dos superproducciones por medio la que es su mejor película: "Solo Quiero Caminar", un film vigoroso, rudo y de gran belleza plástica. El guión retoma al personaje principal de "Nadie Hablará de nosotras Cuando Hayamos muerto", interpretado también por Victoria Abril y que aquí tiene una presencia más secundaria, aunque se le regala un gran final.Continúa dedicándose a los robos con tres compañeras más Yanes en su teoría de la inverosimilitud de estas historias en España, hace viajar prontamente a sus protagonistas a Mexico donde se desarrolla el grueso de la acción. Allí aparecen dos personajes nuevos muy bien desarrollados e interpretados por José María Yazpik y Diego Luna. Yanes realiza una película contundente, de pocos diálogos, los personajes son presentados mediante sus acciones. El guión arranca con un atraco y al igual que en el "Rififi" de Jules Dassin, los delincuentes son mostrados como profesionales metódicos y pacientes. El silencio, el uso del instrumental, la concentración, podrían recordarnos a un quirófano donde se está realizando una complicada operación a un paciente. El desarrollo en Mexico de los negocios ilícitos de los mafiosos protagonistas y ya definitivamente superado el escollo Tarantino es mostrado también como si fuera un negocio fabril... con sus peculiaridades.

Es interesante el equilibrio conseguido con los numerosos personajes que intervienen. Por un lado entre las cuatro mujeres, por otro entre los dos mafiosos y finalmente cruzando a dos de las mujeres con los gansters. Todas estas relaciones están definidas por la lealtad. Venganza por una amiga o el mantenimiento de ciertos códigos morales no escritos como el no poder matar a un amigo que te ha traicionado porque es como un hermano o un ganster que tiene como mandamientos no matar a mujeres o niños.

Finalmente el film es un viaje moral y romántico de redencción y superación de nuestras circunstancias y demonios internos. Un film valiente, muy bien realizado, entretenido y emocionante. Todo un logro.

QUEMAR DESPUÉS DE LEER (Burn after reading) 2008

2008-12-15T11:14:00.000-08:00

En la actualidad los agentes de la CIA, del FBI, los espías se han vuelto muy agresivos y cetrinos. Jason Bourne, el vengador Leam Neeson o el nuevo James Bond. Son tipos sin bromas, muy profesionales. La torpeza no existe en su mundo interior.

Y aquí llegan los Hermanos Coen y afortunadamente ponen su granito de arena sobre este asunto presentándonos a agentes de la CIA, federales, agentes rusos y toda una fauna de mediocridades y torpes. Personajes mezquinos y de gran pobreza espiritual introducidos en una espiral de irracionalidad y sin sentido. Los Coen han ideado una increíble farsa de espías y ladrones de secretos protagonizada por una fauna condenada a no entenderse. En la película no hay héroes, ni villanos. El espectador contempla atónito a un grupo de personas totalmente confundidas sobre los propósitos de los demás. Nadie parece saber que quieren los otros. Cada acción solo provoca confusión y “ruido” en el mensaje. Incluso las propias ambiciones que provocan las acciones son ridículas. La película parece decirnos que el mundo es caótico y que nada tiene sentido, ni la vida, ni la muerte. De hecho la muerte de dos personajes en distintos momentos del relato, resultan completamente absurdas. No sirven para nada, no hay redención, nadie se convierte en mejor persona…

Sin duda es uno de los mejores guiones que los Coen han firmado en años, y aunque se ha dicho que la película es muy divertida, es verdad, uno se ríe de vez en cuando, yo diría que resulta excesivamente cínica y escalofriantemente triste en su desarrollo como para considerarla una comedia. El guión retrata una sociedad moderna perforando la realidad mediante ácido y un humor cáustico que deja un amargo sabor cuando finalizan los títulos de crédito. Ningún estamento social parece funcionar, ni la burocracia, ni los servicios de inteligencia, ni el matrimonio… pero tampoco las personas, da igual que tengan más cultura o más dinero o que no tengan ningunas de las dos. Las taras y las deficiencias son igual de profundas y sin posibilidad de mejora, La película empieza como termina: en un despacho de la CIA, desde donde se crean y obtienen las piezas de un puzzle que nadie parece saber como y donde encajar.

Los Coen se muestran especialmente brillantes en la narración, que desde el comienzo, con el plano cenital desde fuera de la tierra hasta llegar a unas piernas andando por los pasillos del cuartel general de la CIA, resulta inventiva y ágil. Los propios actores favorecen esta fluidez y ligereza con unas interpretaciones marcadas por el histrionismo y la caricatura, siendo John Malkovich, Frances McDormand y Brad Pitt los que más apuesten por este tono, estando más comedidos George Clooney , Tilda Swinton o Richard Jenkins. No se puede hacer otra cosa que reseñar la breve, pero intensa aparición de JK Simmons como oficial de la CIA en algunas de las mejores y más hilarantes secuencias del film.

RED DE MENTIRAS (Body of lies) 2008

2008-12-13T03:03:00.000-08:00

La película de Ridley Scott es una prolongación de algunos intereses temáticos que tanto él como su hermano Tony han venido desarrollando en los últimos años. Por un lado Ridley ya exploró dentro de un contexto histórico las dificultades de entendimiento entre oriente y occidente en “El reino de los cielos” o el intervencionismo americano en otros países en "Black Hawk derribado". Por otro Tony Scott ha trabajado y muy bien por cierto, la idea de que podemos ser vigilados y manipulados por todopoderosas agencias gubernamentales en "Enemigo público" y "Spy Game" y ambos hermanos produjeron una excelente serie de televisión titulada “The Company” que contaba los entresijos de la CIA y que demostraba que la información es poder.

Hago esta introducción porque en “Red de mentiras” vamos a encontrar un poco de todo esto. Y es que es hija de su tiempo, tras el 11-S, la paranoia sobre el terrorismo ha propiciado la creación de barreras físicas y psicológicas hacia el mundo árabe. De hecho el personaje que interpreta Russell Crowe, un analista de la CIA comenta algo así como que son ellos o nosotros. El guión de William Monahan teje un argumento que se lía y expande al mundo entero. Estamos en conflicto, parece querer decirnos el film, y es válida cualquier acción de resistencia, aunque implique la muerte de inocentes. Ciertamente lo que cuenta el film da escalofríos y la postura ideológica del mismo es un tanto tibia. Scott trata de no mojarse demasiado. Aunque sea un film con cierto trasfondo político, este no deja de ser una superproducción que a de tratar de gustar a cuanta más gente mejor. Por ello no condena el intervencionismo estadounidense en zonas en conflicto o de gran tensión política, pero si cuestiona los métodos utilizados. Es tal el interés de sus creadores en no profundizar demasiado en detalles políticos o sociales que al terrorista al que hay que dar caza lo convierten en una especie de psicópata cuyo máximo interés es atraer la atención sobre si mismo.

Dicho esto hay que reconocer que “Red de mentiras” es muy entretenida y espectacular, aunque carece de secuencias de acción , y apueste por ofrecer elaboradas y complejas tramas de espionaje e intrigas a todos los niveles.

Hay cosas que funcionan muy bien como es el contraste entre los dos personajes principales. El que interpreta Leonardo Dicaprio, Roger Harris, es un agente que trabaja en el terreno, jugándose la piel constantemente y realizando, a su pesar, las tareas sucias, como no poder proteger a un confidente o implicando en una misión a un hombre inocente. Russell Crowe y realiza sus jugadas maestras en las situaciones más cotidianas, paseando con sus hijos, llevándolos al colegio o sentado frente a la piscina de su casa. El mundo para este personaje es como un tablero de ajedrez y cada movimiento realizado puede significar la pérdida de una vida o un nuevo atentado. Los métodos de ambos difieren, mientras que Harris se preocupa de la gente que tiene alrededor y que sufre las consecuencias de cualquier acto fallido, Hoffman no tiene ningún escrúpulo en enviar a alguien a una muerte segura tras haber obtenido lo que necesitaba. En este contexto estos dos hombres tienen que hacer su trabajo, son profesionales y llevarán su deber hasta las últimas consecuencias. interpreta a su supervisor, Ed Hoffman, un funcionario de alto nivel que está en permanente contacto con Harris. Permanece en Estados Unidos

Lo peor del film es quizá la parte final, que resulta un tanto vulgar. El personaje de Harris sufre una paulatina transformación “made in Hollywood” en la que pasa de ser un fiero agente a un hombre concienciado, que descubre que las formas de su patrón no son juego limpio. Y luego se juega un poco con el relamido final sorpresa que no tiene demasiada importancia. Y lo peor de todo es la relación sentimental que inicia Harris con una enfermera que es sin duda lo más prescindible de toda la película.

Scott se toma muy en serio su película y la realiza con el brío y el ritmo al que nos tiene acostumbrados. Muchísimos planos y movimientos de cámara y todo inundado con música. Me pregunto si este hombre habrá visto “El espía que surgió del frío” o “El factor humano”, en esas películas no había tanto ruido y furia pero eran más turbulentas en su interior. Todo lo contrario de lo que esta película quiere decir y proponer resulta la última farsa de los hermanos Coen, "Quemar despues de leer", todo un tratado sobre la falta de inteligencia en los servicios de inteligencia estodunidenses.

CAMINO (2008)

2008-12-09T10:28:00.001-08:00

La película de Javier Fesser me ha gustado. Es un film muy lacrimógeno, entendido esto en el mejor sentido posible. Quiero decir que se llora mucho, además de los espectadores, también los personajes, lloran y lloran sin parar al mismo tiempo que la angustia del espectador es mayúscula.

Me parece una película difícil, más que nada por que es facilísimo caer en trampas que podrían emblandecer el resultado. Pero Fesser las sortea con brio creando una experiencia audiovisual bastante traumática. Porque es una película para pasarlo mal y sufrir muchísimo con el devenir de esta niña encantadora y su familia.

A la hora de hacer este comentario me atengo única y exclusivamente a la película. Nada se sobre la historia de la niña en que se basa el guión de Feser, y el mismo autor ha dejado bastante claro que lo que se ve en la película es ficción. Por tanto a mí particularmente lo que Feser cuenta y además como lo visualiza me ha parecido muy interesante. Sólo hay una cosa con la que no estoy de acuerdo con su autor. Javier Fesser ha dejado bien claro que su guión es objetivo con la realidad y que el no toma partido a la hora de presentar a sus personajes. Personalmente me parece que es una forma de defenderse un tanto inocente, porque hasta el espectador menos avezado se dará cuenta de que su autor no es nada objetivo y que su cariño se nivela claramente hacia unos personajes. Sin duda la niña Camino y su padre reciben un cariño infinito en su representación, mientras que los curas son totalmente ridiculizados convirtiéndose en los malos de la película. Tanto su expresión en el caso del cura más joven como en los diálogos del cura del hospital dejan bien claro que ellos son los malos de la película. Y en este sentido Fesser carga bien las tintas, para que a ningún espectador se le pase por alto que estos personajes no son nada más que comerciantes de almas. El personaje de la madre tampoco se salva ya que todos sus diálogos son siempre comentarios en relación a Dios, pero a un Dios al que parece que solo se puede hablar con él a través del castigo, el dolor y el sacrificio. Quiero decir que probablemente esta mujer también iría a comprar el pan, se pararía a hablar del tiempo con algún conocido... que se yo que haría alguna cosa más en su vida que solo soltar comentarios lúgubres... Pienso que estos detalles que dirigen en exceso al espectador son los que hacen que se resienta un poco la película y que no sea todo lo buena que podría haber sido. Aún así está muy bien y es una film extraño dentro del actual panorama cinematográfico español, tanto temática como visualmente. Por un lado una historia de superación y ánimo para afrontar situaciones desesperadas, una historia de amor de unos padres que tratan de sobreponerse, cada uno a su manera, a la enfermedad de su hija, por otro una historia que nos advierte de los peligros del etnocentrismo a la hora de manifestar nuestras creencias que pueden traducirse en representaciones fanáticas, en este caso la película nos presenta a la iglesia católica a través del Opus Dei, pero podría trasladarse el tema a cualquier otro tipo de creencia religiosa o de otra naturaleza.

A mi lo que más me ha gustado es el exquisito trato que ha dado a la relación de Camino con su padre. Cada una de las secuencias en que aparecen los dos personajes parece que la película suba a otro nivel. Por supuesto a esto ayudan las interpretaciones de los dos actores , una fantástica jovencita llamada Nerea Camacho y la increible composición de Mariano Venancio (por favor, a este hombre que le don todos los premios que haya en España para esta labor) … (bueno, y a Diego Luna por "Solo quiero caminar", también…) llegando todo a la extraordinaria secuencia en la pastelería en la que el padre descubre a que Jesús se estaba refiriendo su hija, un prodigio de diálogos, planificación, montaje y música que pone los pelos de punta, para justo después de un momento de gozo inmenso en un mar de sufrimiento se le aseste un nuevo golpe traicionero al espectador para sumirle de nuevo en la desesperación. Solo por esa única secuencia “Camino” ya merecería la pena.

LAS HORAS DEL VERANO (L’heure d’été) 2008

2008-11-22T08:40:00.000-08:00

La película es una producción francesa del director Olivier Assayas, premiado por la
crítica en el Festival de Venecia.

Es la primera película que veo de este director, antiguo crítico de cine. Me pareció hermosa y bien narrada. Los personajes configuran una família burguesa que se reune en la casa de la madre para festejar su cumpleaños y esto nos permite como en una dinámica familiar , observar las reacciones de todos.

La madre aunque solo con 70 años, es la más realista de todos. Presintiendo su muerte, quiere repartir una herencia cuantiosa entre sus descendientes. Es la actitud propia de la sabiduría que dan los años, en lugar de la inocente actitud de los adolescentes o jovenes que piensan que la muerte está todavia a muchos Kms. de distancia.
Los hijos ya maduros, sobre todo el mayor plantean una actitud negativista, nadie queremos saber que nuestros padres van a morir y ellos reaccionan de esa manera.

Trás el óbito de la madre, que efectivamente, muere de repente.Todos deben enfrentar lo que temían . Pero como suele ocurrir, el mayor de los hijos, cosa que viví un poco identificandome , reacciona con nostalgia y se niega a desprenderse de lo material, que supone todavía un lazo espiritual entre su madre muerta y él. Los otros dos, chica (Juliette Binoche) y chico al ser más jovenes , necesitan dinero y van a interponer distancia entre París, su lugar de nacimiento, por lo tanto con pena , pero con una visión más fría no les importa vender la casa y el petrimonio familiar.

La tercera generación, que vá desde una muchacha rebelde de 15 años , hasta una pandilla de críos muy pequeños que todavia no conciencian la desaparición de un ser querido, muestran una actitud infantil de aparente indiferencia. Pero la mayor a pesar de una actitud contestaria con su padre, demuestra con sus lágrimas y sus palabras que su abuela era algo importante para ella.

Si recormados la letra metafórica del Gaudeamus Igitur, lo comprenderemos : Gaudeamis Igitur juvenes dum sumus...... (saludamos a la Ciencia desde nuestra juventud....).

DIARIO DE UNA NINFÓMANA (2008)

2008-11-16T08:46:00.000-08:00

Desconozco por completo la obra literaria en que se basa, así que no tenía ningún tipo de prejuicio inicial hacia el film. No se si será mejor o peor que el libro en que se basa de la escritora Valérie Tasso, pero el resultado no es muy bueno. El problema de una historia como esta es que no se puede representar, especialmente las secuencias eróticas como si fuera una especie de película del Playboy tv. Y menos cuando existen precedentes mucho más osados como "Belle de jour" de Luis Buñuel con guión del propio director y Jean Claude-Carriere basado en la novela de Joseph Kessel.

Me parece muy bien la aventura que emprende la protagonista para utilizar su cuerpo y la sexualidad como forma de expresión y mejor conocimiento de si misma. A priori una premisa interesante que podría habernos llevado por caminos poco explorados. De hecho las pulsiones sexuales continuan siendo un tema espinoso dentro del cine y que en muchos casos no consigue apartarse de lo superficial o directamente zafio.

En "Diario de una ninfómana" todo es demasiado limpio y blando. Para ser una mujer que desea experimentar lo que se nos representa en pantalla es escandalosamente vulgar. Y esto no significa que este solicitando que sea necesario ser muy explícito. Pienso que en ocasiones el no mostrar puede avivar la imaginación del espectador. Pero no es este el caso ya que todas las iniciativas sexuales de la protagonista se muestran y lo peor, con un erotismo de andar por casa. Esto hace que su aventura se nos quede pequeña. hace años se hablaba de la famosa escena del cruce de piernas de Sharon Stone en "Instinto Básico" en la que se comprobó la subida de temperatura en la sala de cine justo en ese instante. Aquí no ocurre eso. De hecho está película convierte a títulos como "Instinto Básico" o "Showgirls" en auténticas obras maestras.

En general los actores no están muy bien y Leonardo Sbaraglia con sus pelos rizados está de lo más ridículo. La producción está cuidada y se nota en localizaciones y vestuario. La realización ni fu, ni fa. Se ajusta al guión sin florituras de ningún tipo y la voz en off que nos explica el interior de la protagonista es un elemento utilizado con poca gracia que se suma a la monotonía del conjunto.

RETORNO A BRIDESHEAD (Brideshead Revisited) 2008

2008-11-16T08:19:00.000-08:00

La película trata el tema religioso, el catolicismo tomado al pie de la letra y practicado por una familia rica un tanto esnob, que acogen con aparente amabilidad a un joven estudiante de pintura, pero de familia pobre. Esto dará pie, para que este último se dé cuenta de la cantidad de miserias que rodea a la aparente, feliz y poderosa familia hasta estar hastiado de ellos.

El guión ya fue tratado de forma más acertada en una serie británica que se emitió por los años ochenta, protagonizada entonces por Jeremy Irons. Aquí queda un tanto condensado, pierde detalles y además la interpretación no se le puede comparar, excluimos de ello a Emma Thompson.

Los temas religiosos tan tratados por otros directores como por ej. Bergman, siempre son interesantes y nos demuestran que cualquier religión, cuando se convierte en el ritual, que exige la Institución acaban por descafeinar la filosofía básica, sobre la que se había empezado, perdiendo de vista sus fundadores o ideólogos, como pueden ser Buda, Jesús, Mahoma. Quizá la Iglesia Católica sea una de las más intransigentes a este respecto y la película nos muestra, que es capaz de anteponer sus prácticas ritualistas a la felicidad o el respeto que merecen sus seguidores.

Una bella fotografía y el lujo de mansiones y jardines nos anima un poco y suaviza el exceso de lentitud de la película. La música a mí personalmente, me pareció ampulosa y reiterativa.

LA BUENA NUEVA

2008-11-15T11:03:00.000-08:00

Bajo la dirección de Helena Taberna, se estrena un drama, que ya tuvo su parte de aplausos de éxito en la Seminci 53. Basada en una historia real, relata a grandes rasgos, la historia de un joven recién salido del Seminario, con sus ideales recientes , sobre el cristianismo, y que es enviado por el Obispo a un pueblo durante el año que precedió a la Guerra Civil Española.

Al ponerse al lado de los más débiles, pronto verá que la Jerárquia eclesiástica de la Iglesia Católica, se pone a su vez, pero de parte del ejército faccioso. Así, con el corazón dividido entre sus feligreses, sus principios espiritualistas y por otra parte , sus superiores entra en una crisis a nivel personal, de la que intentará sacarle una joven viuda que le brinda su amistad, Esta amistad será malinterpretada por todos.

La figura del sacerdote, me pareció normal dentro de lo que es una persona joven, llena de ilusiones por estrenar, que lleva en la mayoría de los casos a actitudes idealistas, pero extremas que la madurez va poco a poco limando. Por otro lado el personaje femenino, aparenta una amistad, que en el fondo no siente y se acerca al sacerdote de forma inconsciente en busca del marido muerto o por lo menos del afecto que con este tenía.

La interpretación es discreta por parte de Umax Ugalde (el párroco), mejor está Bárbara Goenaga ( la viuda) El tema, descrito ya por otros guionistas y directores no presenta ninguna novedad Salva la película la fotografía y los paisajes del Norte de España.

NOCHES DE TORMENTA (Nights And Rodanthe) 2008

2008-11-09T02:45:00.000-08:00

Richard Gere en “Noches de Tormenta” , de George C. Wolfe, nos demuestra que los años, no pasan en balde, en el aprendizaje del rol profesional. Su papel de cirujano, pone en un brete a esta profesión, en la que sus licenciados , no piensan más que en medrar, y subir de categoría, sin que los pacientes constituyan para ellos un caso más, y en la peor de las circunstancias un trozo de carne que van a cortar y a coser, pasando totalmente de los sentimientos, que esa persona pueda tener y el sufrimiento, que supone para ella y sus familiares una intervención quirúrgica.

Por otro lado, la película nos hace ver que la persona que ha muerto en la mesa de operaciones, era hermosa por dentro, acomplejada por un angioma benigno en la cara, se parecía a si misma fea y corre el riesgo de someterse a una intervención que la lleva a la tumba. La moda actual de las intervenciones hechas alegremente para mejorar nalgas, pechos, etc, nos hace ver lo superficial de la sociedad actual en la que los sentimientos quedan oscurecidos por el snobismo.

Y para completar el puzzle aparece la coprotagonista de la película, que es una divorciada presionada por los hijos a volver con su marido. Pero claro en una producción típicamente Hollywoodiense el médico, también divorciado, conoce a la divorciada en curso y se enamoran. Lo único razonable de la película, está al final, que no quiero desvelar, pero que por un momento nos recuerda que es bueno sacrificarse por los que menos tienen.

Fotografía, ambientación y despliegue de medios cinematográficos, pasan ante nuestros ojos… Una casa bellísima al borde del mar, otra en la ciudad… Hacen creer al espectador que en América los perros se atan con longanizas, sin tocar para nada la recesión económica que estamos sufriendo a nivel mundial, incluida América. Un cuento de hadas tan bonito por fuera como vacío por dentro.

VICKY CRISTINA BARCELONA (2008)

2008-10-25T11:46:00.000-07:00

He leído unas cuanta críticas sobre esta película y en general se mueven en el espectro del que considera que es la mejor película en años de Woody Allen a los que piensan que es torpe no solo argumentalmente, también técnica y sonoramente.

Algunas de las críticas la tildan de ser una foto-postal, de haber buscado los lugares ¿comunes?, ¿elegantes? ¿turísticos?, ¿emblemáticos?. ¿fáciles? de una ciudad. Esto no lo termino de entender muy bien. Al fin y al cabo las protagonistas son dos turistas americanas de clase media-alta. ¿Que esperaban que visitasen... ¿los lugares más marginales de la ciudad?. Se ha tachado al film de dar una visión falsa de la ciudad. ¿Pero es que la visión de New York que da Allen en sus películas es la realidad? Pero si el propio Woody Allen a proposito de Manhattan comentó que esa ciudad que aparece en la película estaba "maquillada" porque en aquellos años estaba muy guarra y estropeada y les costó Gordon Willis y a él mismo conseguir las localizaciones ideales para transmitir esa visión fantástica de su ciudad.

En cuanto al argumento la película podría haberse titulado perfectamente Vicky Cristina New York y en lugar de dos americanas podrían haber sido dos inglesas o dos españolas y la historia hubiera funcionado exactamente igual. Con esto quiero decir que Allen no se ha apartado ni un palmo del tipo de argumentos que suele escribir: personajes que dudan, una visión de la pareja teñida de pesimismo, humor, urbanitas...

Reconozco que el cine de Woody Allen me gusta mucho y mi objetividad (si es que esto es posible en esto de los comentarios cinematográficos) es simplemente nula. Entro con toda facilidad en el juego que nos regala con cada película. Las he visto todas excepto "El sueño de Casandra" y además algunas de ellas muchas veces. Reconozco que su cine ha llegado a cotas muy altas y que en los últimos años a pesar de haber realizado trabajos interesántismos como "Match Point" estos no han estado a la altura de por ejemplo "Annie Hall", "Zelig", "Broadway Danny Rose" "Delitos y Faltas" o "Hannah y sus hermanas". En esta década sus trabajos son mucho más ligeros, aunque siempre divertidos y a veces atrevidos. Pero reconozco que me lo he pasado bien con "Poderosa Afrodita", "Todos dicen I love You", "Celebrity", "Granujas de medio pelo", "La maldición del escorpión de jade" o "Scoop". Y por supuesto siempre disfruto con su humor caústico y enloquecido de sus primeros trabajos.

Por lo tanto si digo que "Vicky Cristina Barcelona" me ha parecido que está bastante bien (aunque no tanto como "Scoop"), pues la verdad es que no tengo mucho con que defenderme ante los que opinan lo contrario. Sencillamente he entrado de lleno en la fantasía española que me proponía su autor y he disfrutado con la película. Claro que hay elementos rocambolescos que son difíciles de digerir como la fiesta minimalista con flamenco incluido al más puro estilo almodovariano, aunque este con brasileño. Y el personaje que ha compuesto del pintor bohemio resulta cuanto menos casí un clon del de Gene Kelly en "Un americano en París", otra fantasía americana sobre otro país.

La película funciona bien en el contraste de los personajes. Vicky y Cristian por un lado y Juan Antonio, el pintor, y su musa María Elena por el otro. Diferentes y complementarios. Cada uno tiene algo que el otro puede desear. Equilibrio, sensatez, locura, aventura, histeria, impulsividad... En realidad ninguno de los personajes está contento con lo que tiene, porque en el fondo saben que no es suficiente. La mirada de Woody Allen en ese sentido es bastante pesimista sobre la incapacidad del ser humano de completarse con plenitud. Siempre nos faltará algo, habra una pieza que no encaja en nuestra vida. Por un lado podemos querer seguridad y una relación estable y monógama con alguién, pero nuestro subsconciente puede jugarnos malas pasadas y solicitarnos en realidad que nos desmelenemos. Al final hagamos lo que hagamos pensaremos que nos hemos equivocado.

Este pesimismo esta incorporado en una narración vital, alegre y luminosa lo que acrecienta de nuevo el contraste de los elementos.

El conjunto actoral está muy desequilibrado, por un lado me han gustado Johansson y Rebecca Hall, Bardem hace un esfuerzo por parecer natural y Penélope Cruz está especialmente mal. Los secundarios, es otra cosa, entre ellos (no me cansaré de repetirlo) la gran Patricia Clarkson, que para alegría de los Woodyallenistas aparece también en su próxima película, esta vez si en New York.

UN VERANO EN LA PROVENZA (Le fils de L´épicier)) 2007

2008-10-24T15:17:00.000-07:00

Puede que en tiempos de incertidumbre como los que vivimos, una película como esta resulte de lo más adecuado. Un mensaje humanista y positivo para un mundo en crisis.

El protagonista de la película es basicamente un hombre perdido en la gran ciudad. Se alejó de los suyos y de su casa hace mucho y ahora vive como un urbanita tratando de buscar su lugar en el mundo. Pero n lo consigue. En lo laboral su situación es bastante precaria y su mundo se reduce a unos sueños incumplidos.

Un ataque al corazón sufrido por su padre, con quien lleva años sin hablar, es el detonante para que vuelva a su pueblo para encargarse de mala gana de la camioneta con la que su padre hacia el reparto de comestibles a los vecinos de pequeños pueblos de la zona, que no disponen de ninguna tienda cercana.

El resto se lo pueden imaginar. El personaje evoluciona de una negatividad hacia todo lo que le rodea (el se siente muy superior a todos los paletos que compran sus productos) a encontrar el equilibrio y descubrir el verdadero sentido de lo que su padre hacia.

El tono amable y de fábula de la narración, apoyado por adecuados toques de comedia y drama, sabiamente combinados, ni impiden que se traten temas serios como las difíciles relaciones familiares (celos entre hermanos, frsutración de los padres porque el hijo no deceide seguir el camino marcado previamente por ellos o el recor de los hijos hacia sus padres por sentirse incomprendidos). Sentiminetos que adobados por el tiempo se enquistan y hacen más complicada su desaparición. Incluso cuando ya ni siquiera nos acordamos que es lo que produjo esos sentimientos.

El guión sabe llegar a lo emocional a través de ese encuentro con las raices del protagonista. Una vuelta a los olores y sabores de la infancia. Una historia que funciona perfectamente para un tipo de público de ciudad que pierde todos los dias entre 50 y 70 minutos en atascos, que pasa entre 9 y 10 horas fuera de su casa en trabajos que nos van embruteciendo poco a poco. En este sentido la aventura del personaje interpretado por Nicolas Cazalé puede reconfortar y liberar, aunque sea durante unos minutos a ese hastiado espectador.

El film está muy bien rodado por el dirctor Eric Guirado quien marca con talento las diferencias entre espacios. Por un lado las imágenes de la ciudad son más frías y cerradas en contraste con los espacios cálidos y abiertos de la zona rural. Aunque es un recurso utilizado en multitud de películas aquí funciona bastante bien.

Los diálogos son muy ágiles y los actores están excelentes, tanto los profesionales como algunos vecinos de la zona que intervinieron con algún papelito.

Una película quizá no muy original, pero si muy bien resuelta y que se gana el cariño del espectador.

LOS EXTRAÑOS (The Strangers) 2008

2008-10-21T12:42:00.000-07:00

Me encuentro ante un inteligente y sofisticado reciclaje de ideas ya formuladas en otras películas como "Halloween" de John Carpenter o "La matanza de Texas" de Tobe Hooper. Y es que la máxima aspiración de este film, más que narrarnos una historia es la de realizar un auténtico ejercicio de horror y proporcionarle al espectador la máxima cantidad posible de desasosiego.

Para ello su director y guionista ha utilizado los mínimos recursos posibles: una casa, seis personajes y una tensión creciente creada con sonidos y silencio, movimientos lentos y jugando sobre todo con el fuera de campo. No vemos a los psicópatas pero intuimos que están ahí.

Este minimalismo también se presenta en la psicología de los personajes. Lo único que vamos a conocer de los protagonistas es que vienen de una boda y que ambos atraviesan un momento de crisis porque él le ha propuesto a ella que contraigan matrimonio, pero ella se ha asustado ante tal idea. De los psicópatas no conoceremos ningún dato, más que sus caóticos actos durante esa noche infernal en la que suceden los acontecimientos.

El guión, espartano donde los haya, no juega con cartas marcadas y se aleja por completo de los trucos de prestidigitador a los que nos tienen acostumbrados muchos de los realizadores actuales. No hay sorpresas. Conocemos desde el primer momento como va a acabar todo. Por lo tanto la narración deriva hacia caminos complicados que tienen como fin el minar la seguridad del espectador en una serie de creencias como son la ley, el orden, la sociedad de consumo donde podemos sentirnos cómodos y protegidos. Aflora el miedo al otro, al vecino y especialmente al caos y el sinsentido. A nuestro cerebro no le gustan esas sensaciones, es una máquina biológica preparada para dar orden a lo que nos rodea, para hacernos ver triángulos donde solo hay líneas discontinuas. Así que ante las imágenes de "Los extraños" es lógico que nos sintamos terriblemente perturbados ante actos atroces que no persiguen ningún fin concreto.

Su director, Bryan Bertino, se muestra increiblemente eficaz en el uso de la planificación y el montaje. No hay grandes alardes visuales. Todo está pensado para mantener la tensión. No se buscar epatar al espectador con un dominio de la imagen. Al contrario, Bertino parece tener miedo de que ningún elemento audiovisual llame la atención de forma independiente al conjunto (actores, iluminación, sonido...). La meta es introducir al espectador en una pesadilla sin que este se de cuenta. Con paciencia y sigilo...

Es una pena que algunos detalles del guión sean excesivamente infantiles y que puedan distraernos momentaneamente. Por ejemplo, que el protagonista masculino, despues de que han recibido una misteriosa visita, se va a comprar tabaco y deja sola a la chica (son las tantas de la madrugada). Es una excusa para que la primera secuencia de asedio se introduzca con un solo personaje. Y la otra que se me ocurre es que cuando ya están en una situación desesperada y él tiene la idea de ir desde la casa a un cobertizo exterior donde hay un radioemisor. Él esta armado y decide que ella se quede en la casa esperándole porque allí esta ¿¡MÁS SEGURA!!!?, cuando los psicópatas ya les han demostrado sobradamente que pueden entrar y salir de la casa cuando les de la gana.

Son algunos momentos que necesariamente debemos obviar si queremos que la película funcione bien. Pequeños pecados de guión para que los personajes encaren las situaciones como el guionista necesita.

Aparte de esto, la película funciona como un reloj. La caracterización de los psicópatas es espectacular y su caracter fantasmal y su capacidad para estar presentes en todas partes causa auténtico miedo. Es interesante resaltar la falta de humor en todo el relato, la magnífica banda sonora tanto de música como de sonido ambiente que soporta una gran parte de la atmósfera malsana conseguida, además de una total ausencia de escenas gore o violentas que son del todo hurtadas al ojo del espectador.

Por todo esto una película totalmente recomendable a quien quiera pasar una desagradable sesión de cine.

CÓMO COCINAR TU VIDA (How to cook your life) 2007

2008-10-19T10:06:00.000-07:00

Un nuevo film documental estrenado en cine. en este caso de la directora alemana Doris Dorrie, siguiendo los pasos del trabajo realizado por Angnes Wagda en "El espigador y las espigadoras". Se nos vuelve a poner sobre la mesa que estamos haciendo en el primer mundo con los alimentos y con nuestra alimentación. ¿por que comemos productos industriales? ¿por que
no hacemos nuestro propio pan o nuestras propias galletas? y preferimos comer un producto elaborado no se sabe como y con ingredientes que en muchos casos no son muy saludables. En este sentido el discurso de Dörrie a través de las disquisiciones de su protagonista, el cocinero y maestro Zen, Edward Brown, es bastante modesto y no trata de dar una respuesta. Simplemente se nos dice que en algún momento nos hemos equivocado, que hemos errado el camino.

La alimentación es fundamental. Es la fuerza motora de la que proviene nuestra energía, nuestra vitalidad. No es un simple proceso biológico consistente en deglutir una materia y transformarla en energía y residuos. Idea a la que parece abocarse una sociedad que quiere un consumo de productos de fácil adquisición y que nos suministren un placer inmediato.

El cocinero nos cuenta como elaborar el pan, una tarta o unas galletas y al mismo tiempo se pregunta como es posible que esto no se haga en cada casa, ya que somos lo que comemos.

El documental fue rodadado por Dörrie y su equipo durante el año 2006 en el Centro Budista de Scheibbs en Austria y en otros dos de Estados Unidos, el Centro Tassajara Zen Mountain y el Zen Center de San Francisco.

Dörrie condiciona el ritmo y la planificación de la película a la apropia esencia del Zen. Es un relato contado con tranquilidad. La información se ofrece de forma ordenada y centrada en unos pocos datos. El diálogo se establece principalmente con Brown, quien nos da su punto de vista sobre la alimentación y la sociedad. Le vemos en algunas clases de cocina, como trabaja y al mismo tiempo filosofa. De sus lecciones se desprende que el alimento hay que cuidarlo y tener un espiritu vital para cocinarlo, para obtener un equilibrio.

Pero a la realizadora la interesa ampliar el concepto y también ofrece unas pinceladas sobre otras formas posibles de alimentarse como una mujer que considera que los productos que los almacenes tiran porque han caducado se pueden consumir o gente con muy pocos recursos que comen lo que encuentran en la basura. Resulta escalofriante el comentario de uno de ellos que dice que come un poco del producto y espera 10 minutos para comprobar que le sienta bien y así poder seguir comiendo el resto. O la práctica del propio centro busdista de no tirar ningún alimento y reciclarlo todo.

Una película muy interesante, creamos en estas cosas o no...

LA ISLA DE NIM (Nim´s Island) 2008

2008-10-19T09:41:00.000-07:00

Ha habido una saturación de cine infantil y juvenil con temática fantástica tipo "Crónicas de Narnia", "Eragon" o "Las Crónicas Spiderwick". No quiero decir que esten mal estas películas. De hecho esta última junto con "El Principe Caspian" están bastante bien. Lo que pasa es que cuando la industria cinematogáfica percibe que un tipo de cine funciona, se dedican a sacar clones e imitaciones y dejan de lado otro tipo de relatos. Es por eso que un título como "La Isla de Nim", resulte como su propio nombre indica una especie de isla en medio de la producción cinematográfica actual. Una película de aventuras para niños y jóvenes, aunque el público adulto también puede pasarlo bien, realizada sin duendes ni magia, ni conflictos entre las fuerzas del mal y del bien.

El guión, basado en la novela de Wendy Orr, se fija más en el modelo de La isla del Tesoro o Robinson Crusoe o películas Disney como Los Robinsones de los mares del sur.

"La Isla de Nim" utiliza elementos enriquecedores para los más pequeños como es la superación personal, a través del personaje de Jodie Foster quien consigue afrontar sus miedos patológicos y fobias en aras de ayudar a una niña de quien solo sabe que está sola en una isla, porque su padre, un científico al que le ha sorprendido una tormenta en el mar, no ha regresado a casa. También ideas sobre el cuidado a la naturaleza y a los animales, que estos pueden ser nuestros amigos o que la presencia del hombre puede convertir en un estercolero el lugar más hermoso del planeta. El placer de la lectura, a esto hay que añadir que la niña no consume televisión... Bueno, se lanzan una serie de ideas cuanto menos positivas.

Tambiés se utilizan elementos que pueden conmover o asustar como son que Nim se queda sola en la isla y que su padre no puede volver y que ha de enfrentarse a una tormenta y al desembarco de unos turistas en su isla.

La película juega bién sus bazas en cuanto a tratar de interesar a un público adulto gracias al personaje de Jodie Foster, que resulta muy divertido y al que Foster encarna con gran convicción.Y al mismo tiempo el truco de utilizar dos historias paralelas ayudan a que el ritmo de la narración no decaiga.

A nivel formal, el film está bien resuelto. Por supuesto todo es muy limpio y la isla ha sido filmada para que aparezca luminosa y encantadora y en general los efectos especiales con animales son bastante buenos, especialmente el del pelícano.

No es una peli perfecta, la parte final es la más endeble y convencional, pero es resultona y entretenida. Perfecta para pasar un buen rato en familia.

DEJAD DE QUERERME (Deux Jours á Tuer) 2008

2008-10-07T11:22:00.000-07:00

Jean Becker afronta con esta película un sólido drama existencial. Una película pequeña, pero firme y concisa, que gira alrededor de un hombre de unos cuarenta años, de aparente éxito profesional y familiar. Es publicista y tiene su propia empresa. Esta casado y tiene dos hijos. Un buen coche y una casa.

Los espectadores asistimos a la destrucción que el protagonista parece realizar de una forma gratuita a su acomodada posición. Este hombre comienza a decir lo que piensa de verdad a sus clientes, familia y amigos. Sus comentarios son ácidos, hirientes, venenosos. Es un hombre inteligente y sabe como hacer daño con la palabra. Su comunicación es mortal, un asesino del verbo, que reparte estocadas por todos los lados.

El espectador se pregunta interesado, por que este hombre de éxito, que tiene todo lo que la sociedad puede ofrecer se introduce en un espial de autodestrucción y abandono de todo lo que le rodea. A esa pregunta no puedo responder para no estropear la película a quien lea estas palabras. Pero si puedo decir que la respuesta es lo suficientemente contundente como para explicar las acciones del personaje.

El tramo final de la película, que podría haber caido en la sensiblería más barata e inoportuna, se resuelve con gran economía, hurtándole al espectador cualquier regodeo en lo lacrimógeno. En este sentido el guión de Jean Becker, Eric Assous y Francois D´epenoux basado en la novela de este último, es valiente al ofrecer una resolución concisa y poco espectacular. La idea es que la vida es así... futil... las cosas no salen como siempre esperamos y en realidad nuestra presencia tampoco es tan importante.

Becker hace un buen trabajo de dirección y consigue una de sus mejores películas y la actuación de Albert Dupontel es portentosa. Lástima que es esta ciudad tan "cinéfila" nos lo proyecten todo doblado y se pierda buena parte del trabajo interpretativo, especialmente en un tour de force coo el que no sofrece Dupontel.

MAMMA MIA!

2008-10-04T03:23:00.000-07:00

La verdad es que a pesar de que ya ha sido vista por más de dos millones de personas en España, entre los que se incluye un servidor, y que por lo tanto es un rotundo éxito de público, a mi me ha parecido uno de los peores musicales que se ha realizado en los últimos años. El género cinematográfico conocido como musical, en el que hay todo tipo de variaciones, lleva en crsisis permanente desde hace varias décadas, pero eso no ha sido obstáculo para que algunos realizadores y productores se hayan animado a aportar su granito de arena dentro del género. Así en los últimos años hemos tenido aportaciones tan disfrutables como "Moulin Rouge", "Los Productores", Alto, bajo, fragil", "On connait la chanson", "Chicago", "De-Lovely", "Once"... Y desde luego "Mamma Mia!" no entra en está categoría de disfrutable.

Por supuesto no voy a echarle la culpa a que tenga un guión mediocre, que lo tiene, cuya única finalidad es la de unir de manera burda las canciones de Abba, ya que alguno puede aducir que las películas del duo Fred Astaire-Ginger Rogers que son consideradas clásicos tenían unos guiones tan o más malos que este. Pues si, eso es verdad pero al menos se tomaban muy en serio los números musicales y estos eran abordados con gran talento y creatividad y así redondeaban el resultado final. Pero en "Mamma Mia!" hay un guión imposible y unos números musicales torpes y aburridos.

Está claro que no es más que un pasatiempo y así debe ser tomada, pero es que está todo rodado con tal torpeza que lo que debería resultar divertido, simpático e irrelevante se convierte en en un tedio absoluto.

El guión podría haber dado más juego. Estamos ante la clásica comedia de equívocos. Tres hombres son invitados a la boda de la que podría ser hija de uno de ellos. Ellos no tienen ni idea de que podrían ser el padre de la chica y la madre no tiene ni idea de que su hija ha invitado a los tres hombres a la boda. Por lo tanto esto daba para unos típicos líos de confusiones entre unos y otros. El problema, y es bastante gordo, es que la película deja a los personajes interpretados por Colin Firth y Stellan Skarsgard fuera de juego. Unicamente participan en la historia como unos secundones en función de las monerías de la pareja protagonista. Con lo que las posibilidades de humor se reducen considerablemente para centrarnos en una historia romántica mucho más tópica y convencional. Y tanto Firth como Skarsgard, que son dos excelentes actores, están aquí como si no supieran donde encajar en el plano.

En difinitiva un bodrio insignificante, que se olvida con más rapidez que el tiempo utilizado para verlo.

LOS GIRASOLES CIEGOS (2008)

2008-09-30T13:27:00.000-07:00

Lejos queda ya el cine que hizo José Luis Cuerda en los 80. Cásicos como "El bosque animado" o "Amanece que no es poco". cultivador de un humor surrealista, fue una "rara avis" en el cine que le tocó ocupar por aquellos años.

Ahora Cuerda es un cineasta experimentado, pero mucho más convencional. Sus películas de estos últimos años son muy flojitas... y esta también.

No voy a negar la importancia de lo que se nos quiere contar. En ese sentido, la película me parece justa en querer ocuparse en retratar a todos aquellos que tuvieron que vivir la postguerra en el bando de los perdedores. Y aquello no tuvo que ser nada agradable. La película tiene incluso algunas cosas muy interesantes como el personaje que interpreta javier Cámara, un intelectual que ha de esconderse en su propia casa en un horrible agujero. Símbolo de la pobreza de ideas con la que se quería levantar a esa "nueva" España. Una España que encerraba en las tinieblas a quienes eran portadores de la sabiduría. Da miedo pensarlo.

También es interesante el retrato que se hace de la precariedad en todos los sentidos (física y moralmente) que reinaba en el país en tan negros años. Además del funcionamiento de las jerarquias política, policial-militar y el papel de la Iglesia en la educación (¿intoxicación?) moral e intelectual de los individuos.

El problema de la película de Cuerda es que en ningún momento consigue trascender el formato televisivo y es que en el fondo está rodada como una especie de folletín dramático con poco peso cinematográfico. Un telefim bien realizado, pero poco más. Y en nada bueno contribuyen algunos de sus actores principales ya que Javier Cámara esta como siempre, es un acto rpoco versatil y bueno en una comedia suele quedar bién. pero este papel requería un poco más de profundidad y el actor que hace de cura, Raúl Arévalo, está simplemente fatal. Ya lo estaba en aquella película tan mala de Antonio Banderas, "El camino de los ingleses". Es un desastre. Se salvan Maribel Verdú y alguno de los secundarios. Una película de estas características no se puede dejar en manos de actores tan flojos, ya que hablamos de una historia que se centra en unos pocos personajes y que estos sustentan toda la película.

A "Los girasoles ciegos" también le hubiera venido bién un poco de rabia y de nervio por parte de su director, que se queda excesivamente contemplativo en el devenir de sus personajes. Indudablemente Cuerda esta de parte de los perdedores de esta guerra, pero lo retrata con una tibieza alarmante. En este momento estoy recordando otra película completamente diferente, pero que en fondo trataba de poner las cosas en su sitio (historicamente). La holandesa "El libro Negro" que de alguma manera es también un episodio negro en la historia de Holanda, pero en aquel caso su director Paul Verhoeven si ponía el corazón y las tripas en su película.

En fin, una película simplemente correcta en su realización, un tanto arritmica que ofrece un resultado final muy flojo.

LA CONJURA DEL ESCORIAL (2008)

2008-09-21T09:04:00.000-07:00

Película española, que por cierto ha costado a su productora muy cara.

La historia es, la vida de Felipe II, y las conjuras que en torno a él se tramaban.

El protagonista Juanjo Puigcorvé, realiza su papel con la profesionalidad de quién ha trabajado mucho yá en el cine y teatro.

El elenco que le acompaña, Jordi Molla entre otros , también estan a la altura de él. Un reparto con nombres internacionales que dan más lustre a la producción.

La ambientación en tonos lúgubres, nos dá idea de aquella época. Es realista e impecable.

Lo único que falla en el filme es que embrolla demasiadola la historia de cada personaje, y de este modo el guión se torna farragoso y mal contado, hasta llegar a confundirte. Lo cual es un problema en una historia en la que su director Antonio Del real se centra en la intriga política más que en la acción.

Peca de un poco larga.

POR FIN VIUDA (ENFÍN VEUVE) 2008

2008-09-21T08:51:00.000-07:00

La pelicula me ha impactado, por la ternura que demuestra.

Una mujer hermosa sola, parece un imán para todos aquellos que la rodean. La pérdida del esposo hace que ella reaccione negativamente ante su amante. Un hijo erigido en sustituto del padre muerto, quiere a toda costa retener a la madre, apoyado por su cuñada y la hermana de ella. Ante tal tesitura Anne-Marie reacciona , sacrificando su amor, y cumpliendo con su obligación de madre, para arrepentirse más tarde y declarar la verdad a su família, huyendo lejos a continuación.

La postura del hijo, reconsiderando su actitud y anteponiendo la felicidad de su madre, a su propio egoismo, consigue que los amantes se reunan.

La interpretación femenina de Michelle Laroque es inmejorable dando un toque de sensualidad y delicadeza a su personaje. Asimismo los personajes secundarios hijo y amante, redondean y acompañan al de la protagonista.

Muy bien dirigida por Isabelle Mergault, directora de "Eres muy Guapo", "Por fin viuda" ha sido un exitazo en Francia con más de tres millones de espectadores.

STAR WARS: THE CLONE WARS (2008)

2008-09-20T18:33:00.000-07:00

Una breve reseña de esta peliculita. Yo la calificaría como exclusivamente para amantes obsesivos de la saga (que son muchos). Es como un capítulo, con su principio y su fin, pero sin nada realmente sorprendente o novedoso respecto a la historia que ya conocemos, salvo el hecho de que sea una película de animación. Entretenida, como todas las demás, pero menos impactante.

Utilizan la estética de moda para las batallas: mucho movimiento confuso en el que no se aprecia practicamente nada. Como novedad señalaría la incorporación total de personajes femeninos a la trama de acción. Por fin han podido superar la discriminación sexual que arrastraba la historia y las mujeres han ocupado puestos relevantes y protagonistas: La aprendiz y La mala.

Su discreto pase por nuestras pantallas creo que está justificado.

WALL.-E (2008)

2008-09-20T18:11:00.000-07:00

Me gusta mucho el trabajo que Pixar ha venido realizando en la última década en el terreno de la animación. Su evolución ha sido espectacular, desde que empezaron con sus cortometrajes hasta que dieron el gran salto al largometraje. "Toy Story" I y II es una perfecta película infantil, con juguetes que cobran vida. "Bichos" fue un gran paso adelante. Una trama mucho más elaborada y una animación ejemplar ofrecían como resultado una película magnífica. El grado de perfección técnica se mejora película tras película: "Monstruos S.A.", "Buscando a Nemo", "Los Increibles" o "Cars" son buena prueba de ello.

Pero es con sus dos últimas películas "Ratatouille" y "Wall-E" que Pixar entra en una nueva fase, mucho más madura, ambicionando interesar a partes iguales a un público infantil y adulto. Son dos propuestas arriesgadas y diferentes a todo lo que se hace en el mundo de la animación comercial norteamericana. Carentes de canciones o de humor coyuntural apuestan por una trama compleja, diálogos serios y una planificación y montajes alejados del dibujo animado Disney.

En este sentido "Wall-E" es simplemente deslumbrante. Se ha hablado mucho de los primeros minutos de la película y no es para menos porque es un festival audiovisual para nuestros sentidos. Un prodigio de narración en la que la acción de los personajes es protagonista. El personaje "hace" y no "dice", lo que nos lleva a poder contemplar la poderosa capacidad de comunicación que el cine ofrece a traves de la imagen y los sonidos, sin necesidad de palabras. Cosa que se olvida con facilidad en la actualidad.

Sin duda a nivel técnico "Wall-E" es el mayor prodigio logrado hasta la fecha por la compañia, pero como suele ocurrir si no viniera acompañado por una buena historia el resultado no sería satisfactorio. En este sentido Pixar arma a su filme con un original guión que mezcla amor, ecología y ciencia ficción a partes iguales. Que sabe engranar acción, humor y ternura con endiablada habilidad.

Una joya cinematográfica que pone el listón muy alto a la producción animada actual y a la que no lo es... pues también.

VENGANZA (TAKEN) 2008

2008-08-28T09:46:00.000-07:00

Una muy entretenida película de acción. Al estilo de los Bourne o "Casino Royale", salvando las distancias. Sin humor, agresiva. El protagonista es un tipo conciso, seco. No malgasta las palabras y deja que sus acciones hablen por él. En este caso sus acciones son repartir leña a diestro y siniestro durante casi dos horas.

El argumento es de lo más escueto: un padre, interpretado estupendamente por Liam Neeson, tiene menos de 96 horas para encontrar a su hija que ha sido secuestrada en París por una organización que se dedica a la trata de blancas. El asunto es que el padre había sido un agente de élite, del gobierno con entrenamiento militar dedicado a trabajar en lugares peligrosos e inestables. El secuestro es totalmente casual y no tiene nada que ver con su pasado. Simplemente los secuestradores eligen a las víctimas al azar en los aeropuertos. Lo que los malos no tienen ni idea es de lo que se les viene encima al secuestrar a su hija.

La película no se anda por las ramas, es ante todo un vehículo para la acción y el movimiento. Liam Neeson es una especie de máquina de destrucción masiva, capaz de utilizar cualquier cosa a su alcance como arma (sus manos, pistolas, metralletas, coches, electricidad...)

El argumento de Luc Besson y Robert Mark Kamen juega con elementos muy primitivos que afectan facilmente al espectador. La idea de que un padre haría cualquier cosa por un hijo o la absolutamente inaceptable posibilidad de que unos degenerados trafiquen con mujeres son argumentos facilmente tratables por los guionistas para justificar ante el espectador una auténtica escabechina. El espectador se deleita porque sabe que el protagonista esta plenamente justificado en su actitud. Los malos son muy malos y merecen un castigo cruel.

El guión, por otro lado, tiene lagunas importantes, pero como hay mucho movimiento el espectador no tiene tiempo de preguntarse nada. El protagonista siempre está donde hay alguien capaz de darle una información o donde hay una nueva pista. No impota mucho como llega a cada sitio, lo fundamental es que siempre da caña a los malos.

No tengo mucho más que contar. Es una peli de justicieros, como Harry el sucio o las de Charles Bronson o las del Exterminador, muy en la onda de las citadas al comienzo del artículo. Héroes duros y sin dudas que nos dicen que a los criminales hay que tratarlos sin piedad y poner las cosas en su sitio.

Pierre Morel, su director, lo hace muy bien y está en la linea de los directores que utiliza Luc Besson para sus producciones como Taxi o Tranporter. Mueve mucho la cámara y el montaje es muy rítmico. Afortunadamente la realización esta alejada de los modelos matrix y es más bien un cruce entre Michael Bay, Jan de Bont y John McTiernan.

EL CABALLERO OSCURO (THE DARK KNIGHT) 2008

2008-08-18T15:36:00.000-07:00

Una película intensa y fascinante. Desde el primer fotograma al último. El arranque es bueno, pero a medida que los personajes y las acciones están definidas el espectador se siente arrastrado por una contundente imagineria. Más cerca del Batman de Frank Miller (atormentado y encerrado en las tinieblas) que del detective enmascarado creado por Bob kane, este Batman es una orgía de planificación precisa, montaje de laboratorio cientifico, textos casi shakesperianos y sonidos capaces de ponerte los pelos de punta. El trabajo de los hermanos Nolan es grande y se puede decir con toda tranquilidad que esta es, quizá, la mejor película de superheroes jamás realizada.

Es verdad que podemos pensar que en general el tema este de los superheroes en cine ha estado muy flojo y con que alguien que se lo tomará minimamente en serio podría ponerse al máximo nivel con poca cosa, pero no nos confundamos en este peli hay mucha miga y puede que a lo mejor decir ahora que es una obra maestra sea excesivo, pero ya veremos dentro de unos años... Acuerdense de "Heat", basicamente era una fantástica peli de polis y ladrones cuando se estreno, ahora ya son muchos los que reclaman el calificativo de obra maestra para la película de Michael Man, que por cierto tiene mas de un punto en común con este "The Dark Knight".

El filme es oscuro y tenebroso. A veces relato policial, otras de terror. La presencia de Batman se diluye en esas tinieblas. Cede su protagonismo a otros personajes. Como dice el Joker, Batman solo puede existir gracias a la maldad de otros y la película se detiene en contar esta maldad a la que Batman asiste como triste participante.

El Joker es espeluznante, no solo por su aspecto, sino por lo que dice y hace. Representa el caos, lo imprevisible, todo aquello que quisieramos alejar de nuestras vidas que pretendemos controlar hasta en el más pequeño de nuestros movimientos. Por supuesto una falacia...

Las escenas de acción son magníficas, pero en ningún momento destacan por encima del conjunto de la película y se alejan completamente del trabajo de gente como Michael Bay, Rob Cohen o Paul Greengrass, estando más proximas en su estilo de imagen y montaje del Michael Man de "Heat" o del James Cameron de "Terminator 2". Pero para nada hablo de copiar o clonar, todo esta muy interiorizadol. Los hermanos Nolan hacen un uso muy personal del lenguaje audiovisual como por ejemplo el magnífico comiezo con un plano de la ciudad acercandose a un edificio en en que de repente estalla una ventana en mil pedazos. Hemos visto cientos dpelículas comenzar con planos cenitales o generales de ciudades. Pero esto es diferente. O el portentos plano del Joker en contrapicado cuando se le acerca Batman en su Batmoto. Solo son dos recuerdos de un sinfin de momentos extraordinarios.

La película se ha convertido en un éxito descomunal. Las cifras finales serán extraordinarias y las críticas han sido increibles. Ante esto me gustaria hacer un apunte final y es que me da cierta pena que todo esto puede hacer que el magnífico trabajo que hizo Tim Burton en su "Batman Vuelve" quede completamente sepultado por esta película. Y es una pena porque es una estupenda película que además no tiene nada que ver con "The Dark Knight". Mucho más fantasiosa y circense la de Burton. Mas oscura y realista la de Nolan.